ACTUARTLYON, actualité et critique d'art

Le directeur de l'école des beaux-arts d'Avignon
suspendu de ses fonctions

D'un commun accord, selon le quotidien La Provence, le préfet du Vaucluse, Marie-Josée Roig, maire d'Avignon, et la direction des affaires culturelles de la ville ont décidé, mardi 18 septembre, de suspendre Jean-Marc Ferrari, directeur de l'Ecole supérieure d'art d'Avignon, "dans l'intérêt du service, mais aussi dans son propre intérêt".

Pour avoir osé mettre en cause, il y a 3 ans, le fonctionnement obscur du Marché de la Création de Lyon, Martha Melikian, jeune artiste peintre de la région lyonnaise, était-elle devenue le bouc émissaire d'une politique portant gravement atteinte à la liberté du travail et à la libre expression artistique? Face à plusieurs refus d'autorisation d'exposer sur le marché, devant le mur de silence des autorités gérantes du marché, elle n'a jamais lâché le combat qui aujourd'hui est arrivé à terme.

Deux ans après sa requête contre la Ville de Lyon pour dénoncer:

1. ne pas faire les 1er et 2ème rappels bloquerait l'accès au domaine public alors qu'une grande partie des places reste, aujourd'hui encore, inoccupée sur le marché et qu'aucune distribution au rappel de ces places n'est faite,
2. le règlement restrictif du Marché de la Création qui semblerait porter atteinte à la liberté du commerce (Décrèt d'Allarde, 1791) et à la libre expression artistique,
3. la sélection opérée par la commission sur des critères totalement subjectifs, qui au fur des années se serait cru attribuer des compétences pour gérer l'espace public selon le bon vouloir de ses membres,

le Tribunal Administratif de Lyon a statué sur l'incompétence des signataires de la décision de refus. Comme le précise le Tribunal, ils se sont approprié systématiquement l'avis de la commission, qui, elle, n'a aucune compétence décisionnaire, mais uniquement un rôle consultatif. Se contentant de signer à l'aveugle, sans même voir le travail de l'artiste, ils ont "entaché leur décision d'une erreur de droit".

Et maintenant, que fera donc la Ville de Lyon, entachée de cette erreur de droit? La gestion de l'accès à l'espace public par une commission de sélection selon des critères esthétiques est désormais prouvée absurde. Comme nous l'avons maintes fois affirmé, le seul critère de jugement du statut d'artiste aujourd'hui est le critère administratif: l'inscription à la Maison des Artistes est nécessaire et suffisante pour la reconnaissance du statut d'artiste professionnel. Le Marché de la Création est un marché public qui se doit d'être entièrement occupé, tant qu'il y a des demandeurs en règle avec l'administration fiscale.

A suivre!

"Sens des conclusions et moyens ou causes retenus :
Annulation incompétence signataires ; erreur de droit à raison compétence indument liée par l'avis de la commission"
(audience publique du 25 janvier 2011)

Ci-après la notification officielle finale du Tribunal Administratif:

La lettre hebdomadaire de Jean-Luc Chalumeau 

Dans ma lettre du 16 décembre: La culture pour tous est-elle une priorité pour ceux qui nous gouvernent?, je déplorais l'amputation de la subvention de l'Orchestre National de l'Île de France, y voyant une preuve inquiétante du fait que, au motif de la crise, le secteur culturel, irremplaçable facteur de lien social, a cessé d'être une priorité pour le gouvernement (s'il l'a jamais été) et je me faisais l'écho d'une solution aux problèmes posé par ladite crise, proposée par l'excellent économiste Jacques Sapir. Il se trouve que l'une de mes lectrices, connaissant un membre du cabinet du Premier Ministre, a envoyé mon texte à Matignon et m'a fait part de la réponse obtenue. Il me semble que cette dernière mérite d'être citée quasi intégralement : « J'ai vérifié concernant l'orchestre d'Île de France. L'information est exacte et l'opération sera étalée sur 4 ans. En 2012, l'orchestre d'Île de France devrait avoir 175.000 euros en moins. Nous soumettons toutes nos administrations à une cure de rigueur effectivement désagréable. Mais avons-nous le choix ? » Ce « avons- nous le choix ? » est terrifiant : il rappelle la doctrine dite TINA tristement illustrée dans les années 80 en Angleterre par Margareth Thatcher, aux Etats-Unis par Ronald Reagan et en France par Edouard Balladur.

TINA : autrement dit, There Is No Alternative. Après les « trente glorieuses », les méthodes keynesiennes s'essoufflaient et la Dame de Fer, suivie par ses deux disciples, avait décidé de fermer les industries devenues non rentables (les mines de charbon en particulier) et de changer la répartition du PIB de telle sorte que les actionnaires reçoivent désormais plus et les salariés moins. Ces derniers, s'ils voulaient maintenir leur niveau de consommation, n'avaient qu'à emprunter à des taux usuraires. Ce qu'ils firent. De toute façon il n'y avait pas d'alternative. Ils le firent si bien que la crise dite des subprimes éclata en 2008, menaçant d'effondrement un système bancaire international reposant sur une montagne de dettes souscrites à la base par des ménages insolvables. On se souvient que les banques furent sauvées, sauf une : Lehman Brothers, parce que M. Paulson, secrétaire au Trésor et ancien PDG de Goldman Sachs (son ennemi héréditaire) en décida ainsi, avec les conséquences désastreuses que l'on sait. Depuis 2008, nouvelle formule TINA : les dettes souveraines étant devenues excessives, on réduit les dépenses, notamment de protection sociale, et on augmente les impôts (ceux des contribuables lambda, pas ceux des banques, évidemment). « Avons- nous le choix ? » demande innocemment le technocrate de Matignon.

Eh bien si, nous pourrions avoir le choix, comme l'a expliqué Jacques Sapir. Mais sa solution ne saurait être jugée crédible par les gens sérieux qui, au sein des directions des grandes banques comme dans les cabinets ministériels, jugent et tranchent. Je me souviens du dédain, du mépris absolu, manifesté par des banquiers de ma connaissance lorsque Lula devint président du Brésil. Quoi ? Un trotskyste, un syndicaliste, un pauvre type dont on se demande comment la mère, abandonnée par son père avec huit enfants, a pu survivre ? Comment cet idéologue borné pourrait- il mener son pays en crise à autre chose qu'une catastrophe ? On sait ce qu'il est advenu du Brésil grâce à l'habileté et au courage de Lula. Je me souviens aussi d'une émission de France Inter à laquelle je participais il y a peu en compagnie d'Arnaud Montebourg. J'ai admiré le calme avec lequel il encaissait les critiques idiotes de deux péronnelles qui n'aimaient pas son dernier livre, et j'ai retenu cette formule de lui : « Aujourd'hui les plans d'austérité sont pour la population et les plans de soutien pour les banques. Je propose l'inverse. » Ridicule, répondent les adeptes du « avons- nous le choix ? » dont le confort intellectuel n'est guère perturbé par le député de Saône-et-Loire. Leur chance, c'est qu'aucune personnalité de réelle envergure, celle d'un véritable homme d'Etat, ne soit en mesure d'imposer aujourd'hui les thèses d'un Sapir. Je lis dans les journaux que les Français, inquiets et écoeurés, ont la nostalgie du général de Gaulle. Non sans d'évidentes raisons.

J.-L. C. 29-12-2011

http://www.visuelimage.com/

Réquisitionnons les banques centrales!
par Jacques Sapir, directeur d'études à l'Ecole des hautes études en sciences sociales (EHES)
(Le Monde 1er décembre 2011)

Suite à notre dernier article "Trop d'art tue l'art?", qui a réuni toutes nos expériences, lectures et constats sur le monde de l'art depuis 4 ans, avec plus de 700 visiteurs uniquement sur cet article, nous avons eu de nombreuses réactions, dont nous aimerions partager quelques-unes, autant d'angles différents pour considérer l'art. Nous invitons d'ailleurs tous nos lecteurs possesseurs d'un compte Facebook, de répondre à notre questionnaire à 4 choix de réponse qui se trouve sur notre page.

Art, sociologie et spiritualité

MG: Ne pas confondre l'Art avec les événements sociologiques qui nécessitent moult littérature explicative. l'Art est silencieux, reconnaissable par l'oeil intérieur averti que n'ont pas les gens pressés et dispersés d'aujourd'hui... Quant au Business Art, il s'agit d'une autre face du matérialisme ambiant qui n'a rien à voir avec la spiritualité inhérente à la création.

Actuartlyon: L'art n'est pas seulement un évènement sociologique, mais l'art est sociologie. Il n'y a pas de société (au sens civilisation) sans art. Au fil de l'histoire de l'humanité l'art a cristallisé l'histoire, les dogmes religieux et les rapports sociaux entre les individus à chaque époque. Nous pouvons "lire" par exemple sur les vases grecs l'activité sociale dans la Grèce antique, tout comme au Moyen Age les codes iconographiques prévoyaient toujours la représentation des mécènes dans la fresque même, tenant dans la main l'église. Aujourd'hui une grande partie du discours artistique contemporain est inspiré par les évènements politiques et sociaux dans le monde. Yves Michaud parle même de l'art comme "le ciment social" dans les sociétés occidentales, au même titre que la doctrine religieuse dans les sociétés islamiques, par exemple. L'"oeil intérieur averti" n'est apparu qu'en 1750 avec le discours esthétique, avec l'apparition de la critique avec le développement des Salons de peinture, et ensuite le concept de l'"art pour l'art" sans utilité en soi. Pas besoin d'avoir un oeil averti pour reconnaître de l'art. Le mot "spiritualité", opposé à "matérialité" n'est pas, il me semble, même en fouillant son étymologie, rien à voir avec la création artistique. Tout acte créatif aboutit à une oeuvre collective, alors que la spiritualité est un concept individuel, donc intime. L'acte créatif émane d'une sensibilité, d'une pulsion incontrôlée, presque schizophrène, alors que la spiritualité, qui vient de l'esprit, se réfère à l'intellect, à l'intelligible et souvent à Dieu. Enfin l'aboutissement de l'acte créatif est tangible et non abstrait, en d'autres mots rien de plus matériel qu'un tableau.

MG: Merci de votre prompte réponse argumentée. Je profite d'un instant de liberté pour continuer le dialogue. L'art à mon sens n'est pas sociologique, mais historique, car l'histoire de l'art est ce qui reste, souvent en témoignage des grands événements, non anecdotiques, de l'humanité : les religions et leurs péripéties, les guerres, les découvertes et les transformations industrielles (arrivée du machinisme, de la photographie, de l'électronique...). Comme les scientifiques, les artistes ont des intuitions en rapport avec les quêtes de l'humanité, ce qui fait l'universalité de leur reconnaissance. Nul besoin dans ce cas de discours didactiques à l'appui. Bien sûr, des écoles de suiveurs existent autour d'un chef de file, mais on ne peut pas parler d'Art collectif. D'accord avec la sensibilité, la pulsion quasi schizophrène de la création, mais si vous dîtes que toute création est collective, cette collectivité serait donc elle-même schizophrène ?...................... La société à qui échappent les événements qui feront l'histoire (c'est on ne peut plus vrai aujourd'hui) ne peut qu'évaluer la force du témoignage de l'artiste, et encore a posteriori, en considérant l'étendue, le rayonnement, la constance et la spiritualité (oui) d'une oeuvre créatrice.

Actuartlyon: Oui, l'art est historique parce qu'il fait partie justement du contexte social d'une époque, et fait l'objet d'étude, entre autres, de l'histoire de l'art, mais à mon sens l'art ne parle pas seulement d'histoire, mais aussi des relations sociales, politiques et économiques d'un certain territoire à une certaine époque. Pourquoi d'ailleurs des sociologues, comme Habermas ou Raymonde Moulin, se seront-ils penchés sur l'étude de l'art et de sa fonction, en créant la sociologie de l'art? Quant j'écrivais que l'acte créatif aboutit à une oeuvre collective, j'aurais peut-être dû préciser "oeuvre destinée à la collectivité", c'est à dire partagée, non pas "créée par un collectif" comme vous semblez l'avoir compris. L'art est un moyen d'expression parmi d'autres et il est d'autant plus fort lorsque les autres moyens font défaut. A quoi servirait l'expression sinon comuniquer avec son prochain son expérience? Si l'"histoire future" échappe à la société du présent, et je suis bien d'accord, de quel témoignage s'agit-il? Des témoignages passés d'artistes visionnaires? Je pense qu'apprendre des erreurs du passé, c'est comme ça que je comprends votre idée, est encore moins vrai dans le champ de l'art. Parce que les grands artistes visionnaires ne seront consacrés comme tels qu'après leur mort, parce que justement il font partie de l'histoire, du passé, et le culte du passé est sacré.

La crise du pouvoir d'achat

HG: .... pfffff ... Solution: >>> remettez le Francs aux Français, à la place des €uros pourris qu'on nous a donné , ..et vous verrez si les ^crises en tous genres^ ne deviennent pas ......... abstraites! Les gens en ont marre de ne pas pouvoir s'acheter une oeuvre qui leur plait, autant qu'un artiste est dégoûté de voir 1 tube de peinture à 10Frs passer à 5€50. En revanche: Ceux qui ont les moyens de s'en payer marchanderont sur des oeuvres d'artistes EXCEPTIONNELS à des prix ...sacrifiés, tout en fluctuant INDIFFÉREMMENT sur des valeurs insignifiantes. Moralité: ce n'est pas la quantité qui tue l'art mais la qualité en souffrance d'égards....

Actuartlyon: Bonjour HG, La crise française du pouvoir d'achat, oui, touche l'art, nous avons pu le constater nous mêmes, Actuartlyon, en tant qu'organisateurs d'expositions, heureusement que nous nous sommes engagés dans cette voie par passion et nous n'avons pas la pression de la vente, de la rentabilité, et je comprends bien le déssaroi des artistes, ce pourquoi j'ai rédigé l'article en cause. Le but de mon analyse est d'interpeller les lecteurs sur la crise de la FONCTION de l'art, qui date de bien plus longtemps que cette dernière crise économique. Car la grande majorité des anonymes préféreront s'acheter sans état d'âme des baskets Lacoste à 150€, une paire de jeans Levis à 200€, un carré Hermès à 250€, un Iphone ou une tablette à 700€, un écran plasma à 1500€ et la liste peut continuer... - autant de signes INUTILES de richesse et de pouvoir éphémères parce que la mode change et parce que dégradables - à la place d'un tableau, qu'il ne pourra montrer à son entourage que dans l'intimité de son appartement: on ne porte pas son tableau sur le dos quand on va au bureau. L'idée de l'unicité, la rareté, la valeur patrimoniale de l'art est déjà obsolète ("un bien rare, durable, qui offre à son détenteur des services esthétiques (plaisir esthétique), sociaux (distinction, prestige), et financiers" - Raymonde Moulin). Quant à la "qualité en souffrance d'égards", elle découle inévitablement de tous ce que nous avons exposé plus haut, y compris de la saturation du marché par l'explosion de l'offre, qui noie les vraies valeurs. Ceux qui voudront aquérrir une oeuvre, auront par contre besoin d'être rassurés, ils feront plus facilement confiance à une galerie parce qu'ils auront un label reconnu par la communauté, ils diront: "Je l'ai acheté à la FIAC" ou "Je l'ai acheté chez...".

L'art à petits prix

MM: Je ne suis pas d'accord avec le fond de cet article, trop d'art ne tue pas l'art... il existe maintenant de nombreux moyens pour les foyers moyens d'acceder à l'art sans depenser necessairement une fortune... de nombreuses galeries mettent à disposition du plus grand nombre des objets d'art uniques et "beaux" à des prix abordable... quand à la valeur réelle de ce type d'investissement, on sait bien tous qu'il s'git d'un pari sur la valeur quotée de l'artiste dans le futur... des galeries de type carré d'art qui vendent des oeuvres à prix fixe en fonction du format ne se seraient pas autant étendues en europe et aux us dans ce contexte de crise si elles ne trouvaient pas un vrai marché... pour moi ceci étant dit, je pense que l'argent et le business ou la starisation dont vous parlez ont detruit l'art tel qu'il existait autrefois, et le concept d'artiste pleinement crée par Picasso il y a un siecle ont defloré la vraie valeur de l'art qui résidait plus dans l'effort, les heures de pratiques, l'acquisition d 'une technique maîtrisée que dans la peopolisation de tel ou tel artiste, cf célèbre discours sur l'artiste du chorégraphe Maurice Bejart...

Actuartlyon: Nous sommes bien d'accord, il existe des moyens divers qui mettent des tableaux à disposition du plus grand nombre, et les boutiques d'art comme Carré d'Artistes en font partie, nous en avons parlé sur Actuartlyon il y a deux ans déjà dans Carré d'Artistes, la boutique d'art par excellence. Nous avons bien précisé "boutique d'art" et non pas "galerie", parce que lorsqu'il est demandé aux artistes de produire un certain nombre d'objets d'un certain format, il s'agit, à notre sens, plus d'une forme d'artisanat, qui consiste à répéter une technique en changeant de format. En plus le carré est une forme géométrique parfaite, très décorative et modulable en polyptiques, qui s'accorde parfaitement aux tendances actuelles, c'est ce qui fait que ça marche! La "valeur quotée" dont vous parlez est selon nous la véritable source de la "peopolisation" de l'art, car la cote des artistes dépend de trop de paramètres extérieurs à l'oeuvre elle même: le critère historique, le CV, la fortune de l'artiste, les enchères qui peuvent être intentionnellement faussées... Pour nous, la vraie valeur de l'art est l'émotion du spectateur. Les heures de travail et l'effort sont invisibles pour le spectateur et même avec une technique maîtrisée l'oeuvre peut passer inaperçue. La valeur dont vous parlez est seulement la valeur de l'artiste, alors que le prix est une sorte de négociation silencieuse entre l'artiste et son public. 

Les galeries subventionnées vs galeries indépendantes

Mireille Duparc: Malheureusement votre article n'étant pas signé, je ne sais à quel(s) individu(s) je m'adresse... Vous écrivez : "vendre à des prix supérieurs à 2000€ n'arrive plus que dans quelques galeries, qui ont réussi à pérenniser leur activité, à fidéliser et surtout à renouveler d'un côté leurs fichiers de collectionneurs et de l'autre leurs écuries d'artistes." Vous oubliez là de considérer que nombre de galeries à Lyon sont en réalité des lieux soutenus par des fonds publics (subventions, achats d'oeuvres, etc), à l'insu du contribuable moyen. Cette proximité avec le pouvoir local leur assure les bons soins des médias. La concurrence est alors particulièrement inéquitable pour les galeries indépendantes.

Actuartlyon: Bonjour Mireille, Derrière tous nos articles qui ne sont pas signés, la grande majorité des publications notamment, il y a les rédacteurs en chef d'Actuartlyon, Eliza Ploia et Signorino Leonardi, collectionneurs et organisateurs d'exposition par ailleurs. Sinon nous précisons toujours l'auteur: nous avons eu des publications de Nicole Esterolle, de Jean-Luc Chalumeau, des courriers de lecteurs. Il est vrai que la gande majorité de lieux de diffusion artistique ont besoin de ces subventions, sinon ils ne survivent pas, nous l'avons mentionné dans la première partie de notre article. Et c'est là le vrai drame, car ils en ont besoin parce que l'activité de vente est tellement restreinte qu'il se montent depuis des années des "centres d'art" qui refusent de s'appeler "galeries", car ils font que de l'exposition sans vendre, totalement subventionnés. Mais effectivement ce serait le sujet d'un article, à part...

L'ART TUE PAS! Isabelle Trichelieu, artiste lyonnaise, nous propose "un geste artistique" à la portée de tous: Vous croisez un fumeur ? Pourquoi ne pas lui emprunter son paquet et glisser entre la cellophane et le carton ce message "̈l’art tue pas"? Quand vous posez le paquet, posez-le du bon côté. Chaque pochette contient 5 messages "l’art tue pas". Format : 5 x 7 cms. 9 mises en couleur différentes. "l’art tue pas" est présent pendant la Biennale d’Art Contemporain de Lyon (15 sept au 31 déc 2011) dans les boutiques de la Sucrière, du Musée d’Art Contemporain de Lyon, du Musée d’Art Moderne de Saint- Etienne pendant la Biennale d’Art Contemporain (du 15 septembre au 31 décembre 2011). Pour plus d'informations: Isabelle Trichelieu 04 72 30 73 94 / 06 86 86 00 04 trichelieu.isabelle@wanadoo.fr

Au-delà des querelles esthétiques et des divisions manichéennes entre beaux arts et art contemporain, au-delà des polémiques rhétoriques qui, par leur nature même, restent à l'état de questionnements abstraits, si nous parlions tous simplement de l'état actuel de l'art tout court? Nous arrivons, au bout de quatre années d'expériences variées dans le monde de l'art français - qu'il s'agisse de rencontres de galeries ou d'artistes, d'organisations d'expositions, ou de combats pour la liberté d'expression artistique - au constat que oui, il y a une crise, qui a plusieurs sources et diverses conséquences. Cette crise est redoutée et ressentie surtout par les artistes d'expression plastique, appelons-la traditionnelle, n'ayant pas, ou trop peu, le soutien des grandes structures culturelles qui sont plutôt axées sur l'art dit "contemporain" et soutiennent ceux qui sont déjà soutenus. Mais elle n'est pas une crise de l'art, mais une crise du marché de l'art.

Plusieurs niveaux du marché de l'art existent et nous les avons exposés dans un article précédent "ART-naque, quel prix - quelle oeuvre?". A l'intérieur de chaque niveau du marché, les acquisitions d'oeuves d'art ne sont pas déclenchées par les mêmes motivations: les richissimes acquéreurs investissent dans l'unicité d'un objet vendu à des millions d'euros, les collectionneurs connaisseurs pointus cherchent l'objet rare qui valorisera leurs collections, quant à l'amateur d'art motivé par l'émotion devant une oeuvre, il devient acquéreur souvent par hasard et par coup de coeur.

Le niveau qui nous intéresse dans cet article est ce tout dernier, parce que c'est la part de marché la plus fluctuante et parce qu'il nous touche au plus près. Comme tout marché, il obéit lui-aussi aux principes économiques de base, c'est-à-dire le rapport entre l'offre (la quantité de tableaux) et la demande (les possibles acquéreurs). La question qui se pose aujourd'hui: alors que les artistes ont besoin "d'écouler leur stock" régulièrement, les possibles acheteurs sont-ils toujours éveillés à l'envie de posséder un objet d'art?

Nous vous livrons ici nos analyses, en commençant par l'OFFRE.

Chaque nouvelle rencontre avec le grand public nous fait constater au quotidien que l'art est devenu un élément familier, même familial. Dès que le sujet se présente, nous apprenons chaque jour que tout le monde connaît "quelqu'un qui peint". D'ailleurs tout le monde peut librement prendre des cours d'arts plastiques, d'autant plus que d'autres artistes, plus ou moins chevronnés, à défaut de réussir à vendre leurs créations, trouvent dans les cours qu'ils dispensent une source de revenu régulier (ne serait-ce pas se tirer une balle dans le pied?). Les écoles de beaux arts, d'arts plastiques, de design, produisent elles aussi plusieurs milliers d'artistes par an, autant d'individus qui peuvent grossir les rangs des demandeurs d'emploi l'année suivante.

Par ailleurs, l'évolution du statut de l'artiste, permet facilement, sur une simple présentation de dossier, de devenir artiste du jour au lendemain, sans même avoir besoin de formation particulière, puisque aujourd'hui seul le critère fiscal (l'inscription à la Maison des Artistes) définit son activité. De plus, pour la majorité des assujettis ("soumis aux cotisations et non assurés sociaux au titre du régime", générant un "bénéfice annuel inférieur 900 fois la valeur horaire moyenne du SMIC") l'activité artistique n'est que adjacente, ils ne vivent pas de leur art, mais de leur activité principale.

    Maison des Artistes
Effectif des artistes en début d'activité (non cotisants)
inscrits au fichier recensement pour l'année 2009: 

Effectif des artistes cotisants:

Pour palier à cette profusion d'artistes sur le marché, en besoin d'exposition, myriades de galeries et lieux diffusion se montent chaque année, qui, sans être subventionnées, ne résistent pas plus de 3 ans. Mieux encore, les artistes, en tout genre, devienent eux-mêmes leur propres galeristes, en ouvrant un pas de porte, une galerie-atelier, ou en organisant des opérations ponctuelles dans des lieux qu'ils louent.

La multiplication des moyens technologiques et, par cela, celle du nombre d'artistes et des oeuvres produites depuis 1850 a été vertigineuse, du fait de l'abolition successive des académies et grace aux révolutions esthétiques: déjà en 1850 on estimait à 200.000 le nombre d'oeuvres produites pas an par 3000 peintres établis à Paris et 1000 autres en province... Serions-nous encore aujourd'hui en présence de la rareté de l'objet d'art? C'est évident que non, dans l'ère de la reproduction et du tout numérique. L'art "industriel" introduit sur le marché des quantités d'objets fabriqués plus ou moins à la chaîne, dans des ateliers chinois ou de simples reproductions sur toile, qui alimentent les magasins de décoration-bricolage ou les boutiques d'encadrement, les sites de vente en ligne comme Ebay, ce que Raymonde Moulin décrit en termes d'"univers infra-artistique":

• "Aujourd'hui comme hier, et dépit du développement des moyens de reproduction, il existe un marché où se négocient les formes les plus humbles de la production picturale. C'est le marché des tableaux interchangeables, produits d'un artisanat conventionnel et figé que l'unanimité des acteurs culturels, quel que soit le monde de l'art auquel ils appartiennent, rejette en dehors de l'univers de l'art. [...] Les thèmes s'inspirent des genres en vogue dans les chromophotographies du XIXe siècle [...]: marines bretonnes et vergers normands, maisons québéquoises ou savoyardes, chasses à courre, couchers de soleil à Venise ou à Montmartre, bouquets de fleurs, visages d'enfants, nus de femmes, scènes animalières...".

Trop d'art tue l'art? (suite): Du côté de la DEMANDE...
      

• Références:
  Raymonde Moulin, L'artiste, l'institution et le marché (1997), Le marché de l'art. Mondialisation et nouvelles technologies (2003)
  Anne Coquelin, L'art contemporain (2009)
  Yves Michaud, La crise de l'art contemporain (1997), L'art à l'état gazeux (2009)
  Les peintres, le Salon, la critique, 1848-1870, Musée d'Orsay, 1998